Berichte aus Berlin zu Photographie und Kunst

Ausstellung

Entsprechend des Blog-Untertitels “Berichte aus Berlin zu Photographie und Kunst” werden in dieser Rubrik in erster Linie selbst besuchte Ausstellungen, hauptsächlich in Berlin, zur Photographie und zur Kunst besprochen. Hin und wieder wird auch eine geplante Ausstellung angekündigt.

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Der Schatten des Photographen …

oder: Die Erfindung der Malerei

"Einbein-Schatten", aus der Serie "Schatten und Spiegel", Foto © F'riedhelm Denkeler 1979

“Einbein-Schatten”, aus der Serie “Schatten und Spiegel”, Foto © Friedhelm Denkeler 1979

Der römische Gelehrte und Geschichtsschreiber Plinius der Ältere (*23 n. Chr., †79 n. Chr.) erzählt in seinem bekanntesten Werk “Naturalis historia” die Geschichte der Tochter des korinthischen Töpfers Dibutates. Ihr Geliebter ging auf eine lange Reise und sie suchte verzweifelt nach einer bleibenden Erinnerung. Heutzutage hätte sie schnell mit ihrem Smartphone ein Foto gemacht, das gibt es bekannterweise aber erst seit 2000 n. Chr. Da sah sie plötzlich den durch eine Lampe verursachten Schatten ihres Geliebten auf der Wand und sie hatte eine Idee.

Die Tochter zeichnete die Umrisse vom Schatten ihres Geliebten im Profil auf der Wand nach. Und wie das in Künstlerfamilien nun einmal ist, hatte ihr Vater noch eine weitere Idee: Er machte anhand des Schattenrisses ein Relief aus gebrannter Tonerde. Der Tochter blieb so die Erinnerung an ihren Geliebten gewahrt. Für Plinius war dies die Geburtsstunde aller Malerei und Plastik.

Den deutschen Maler Eduard Daege (*1805, †1883) kennt nicht unbedingt jeder; seine Malerei kann man als akademisch bezeichnen, aber die Nationalgalerie Berlin besitzt sein bekanntestes Werk: “Die Erfindung der Malerei” aus dem Jahr 1832. Hier hat sich Daege die Erzählung von Plinius zum Vorbild genommen. Der Jüngling scheint kurz davor zu sein, in einen Krieg zu ziehen. Darauf deutet der bereitgelegte Helm am unteren Bildrand hin und seine Scham wird von einem Schwert bedeckt, ansonsten ist der Grieche wie immer nackt und seine Geliebte zumindest halbnackt.

Die deutschen Maler des Klassizismus liebten die Plinius-Geschichte, denn auch sie waren der Meinung, dass sich die Malerei von der scharfen Linie der Zeichnung und nicht von der Farbe herleitete. Man könnte das Bild von Daege aber auch die “Erfindung des Modells” nennen, denn mit der linken Hand richtet die Dibutates-Tochter den Kopf ihres Modells so aus, das sie ihn im Profil zeichnen kann. Zusammengefasst lässt sich sagen: vom Schattenwurf ausgehend kam es zur Zeichnung, dann zum Gemälde und, wenn man so will, zur Photographie, die es nun auch schon seit fast 200 Jahren gibt.

Und die Moral von der Geschicht‘: Erst kommt die Malerei, dann die Photographie [FD]

Eduard Daege: "Erfindung der Malerei" (1832), Foto © Friedhelm Denkeler 2008

Eduard Daege: “Erfindung der Malerei”, 1832 (Ausschnitt)
Foto © Friedhelm Denkeler 2008

Der traurige Frühling

"Der traurige Frühling" (Ausschnitt), 1933, Wilhelm Lachnit, 1899-1962, Foto © Friedhelm Denkeler 2017

“Der traurige Frühling” (Ausschnitt), 1933, Wilhelm Lachnit, 1899-1962,
Foto © Friedhelm Denkeler 2017

Wilhelm Lachnit malte 1933 nach einer sechswöchigen Gestapo-Haft ein Bild, das er “Der traurige Frühling” nannte. Lachnit als “wacher” Künstler, sah, was kommen würde, während die Deutschen noch mehrheitlich dem “Führer” zujubelten. Teile seines Werkes wurden von den Nationalsozialisten als “Entartete Kunst” eingestuft und beschlagnahmt. Lachnit konnte nur noch eingeschränkt arbeiten und stand unter ständiger Beobachtung der Gestapo.

“Alles Lebendige ist hier gewichen, der Gesichtsausdruck wirkt wie versteinert. Lachnit bedient sich eines allegorischen Vokabulars: In Anspielung auf Botticellis berühmte Primavera verkehrt er die frohe Botschaft mit neusachlicher Nüchternheit in ihr Gegenteil – unterhalb der blutroten Rose sind zwei Äste eines Dornenkranzes zu erkennen, denen auf der anderen Seite die sonderbar makellose, fast wie eine Antenne hervorragende Kugel einer Pusteblume entspricht. Nicht Tod und Wiedergeburt, sondern Passion und Vergeblichkeit sind die traurige Botschaft.” [Quelle: "Räume, Dinge, Menschen – ein Ausstellungsrundgang"]

Wilhelm Lachnit (*1899, † 1962) arbeitete hauptsächlich in Dresden. Nach dem Studium war er als freischaffender Künstler tätig und begann sich für den Sozialismus zu begeistern; 1925 trat er in die KPD ein und gründete die Dresdner ASSO (Assoziation revolutionärer bildender Künstler) mit, die 1933 verboten wurde. Ein großer Teil seines Werkes wurde während eines Bombenangriffes auf Dresden zerstört.

1945 entstand das großformatige Gemälde “Der Tod von Dresden”, das eine weinende Mutter inmitten eines symbolischen Trümmerinfernos zeigt. Die DDR-Kulturfunktionäre lobten das Gemälde als “starke Leistung”, so dass er 1947 als Professor an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden tätig sein konnte. Wegen seines als “formalistisch” bezeichneten Stils fiel er zunehmend in Ungnade und gab 1954 schließlich resigniert seine Professur auf.

Lachnit ist fast ein unbekannter Meister des zwanzigsten Jahrhunderts, insbesondere im Westen Deutschlands ist sein Werk kaum bekannt. “Der traurige Frühling” wurde zu DDR-Zeiten von der ostdeutschen Nationalgalerie angekauft und ist zurzeit in der Ausstellung “Surreale Sachlichkeit – Werke der 1920er- und 1930er-Jahre aus der Nationalgalerie” in der Sammlung Scharf-Gerstenberg in der Schloßstraße in Charlottenburg noch bis zum 23. April 2017 zu sehen.

Die Flora-Büste im Bode-Museum

Der 100jährige Streit um eine Wachsbüste:
Stammt sie von Leonardo da Vinci oder nicht?

Unabhängig davon, ob sie nun von Leonardo da Vinci oder viel später von einem anderen Künstler geschaffen wurde, die Flora-Büste ist eines meiner Lieblingsobjekte im Bode-Museum auf der Berliner Museumsinsel. Trotz oder gerade wegen ihrer Morbidität strahlt die Abgebildete eine innere und äußere Schönheit aus und das ist natürlich auch von photographischem Interesse.

“In lebensgroßer Halbfigur erscheint die kräftige junge Frau; das mit einem Blumenkranz geschmückte Haupt nach rechts gewendet und leicht gesenkt. Ein leises Lächeln bestimmt ihre klassisch schönen, klassizistisch überarbeiteten Züge. Ein blauer Mantel bedeckt die linke Schulter, fällt am Rücken zur rechten Hüfte herab und betont vorne den Abschluss der Figur.” [Zitat Sammelblatt Bode-Museum]

Risse durchziehen die Büste, große Teile der Oberfläche sind abgeblättert oder zerschabt; die Unterarme sind abgebrochen. Das Gesicht hingegen ist einwandfrei, wurde aber nachträglich bearbeitet. Woher die Halbfigur kommt, wer sie geschaffen hat, darüber gehen die Meinungen seit dem Erwerb der Büste 1909 durch Wilhelm von Bode, dem Generaldirektor der Berliner Museen, für das Berliner Kaiser-Friedrich-Museum (heute: Bode-Museum), auseinander.

Kurz nachdem Bode die Büste zum für die damalige Zeit horrenden Preis von 175.000 Goldmark im Londoner Handel erworben hatte, meldete die Londoner Times das Werk sei nicht von Leonardo (16. Jahrhundert), sondern vom Wachsbildner Richard Cockle Lucas (19. Jahrhundert).

"Florabüste" (aus der Werkstatt des Leonardo da Vinci, Wachs, Hohlguss, Bode-Museum Berlin), Foto © Friedhelm Denkeler 2016

“Florabüste” (aus der Werkstatt des Leonardo da Vinci, Wachs, Hohlguss, Bode-Museum Berlin), Foto © Friedhelm Denkeler 2016

“Alle herstellungstechnischen Erkenntnisse sprechen dafür, dass die Flora-Büste bereits als ruinöses Fragment in die Werkstatt von Richard Cockle Lucas kam und offenbar dort restauriert werden sollte. Lucas Senior hat die Büste mit verschiedenen Materialien von innen befestigt und die Oberfläche an einzelnen Stellen überarbeitet. An diesen Arbeiten dürfte sein damals 18-jähriger Sohn beteiligt gewesen sein. Der weitere Weg der Büste ist nicht rekonstruierbar. Erst im frühen 20. Jahrhundert tauchte sie wieder auf. “[Zitat Sammelblatt Bode-Museum]

Der Streit um die Florabüste ist bis heute nicht entschieden und dessen ungeachtet empfängt die junge Frau weiterhin die Besucher mit einem süffisanten, angedeuteten Mona-Lisa-Lächeln.

Die drei Ausstellungen zur Werkstatt für Photographie

Führung mit den Kuratoren durch die Berliner Ausstellung “Kreuzberg – Amerika” bei C/O Berlin am 10. Februar 2017

Die große Ausstellung über die Geschichte der Kreuzberger “Werkstatt für Photographie” bei C/O Berlin im Amerika-Haus neigt sich dem Ende zu. Am Freitag, den 10. Februar 2017, um 16 Uhr, führen die Kuratoren Inka Schube (Sprengel Museum Hannover), Thomas Weski (Michael-Schmidt-Stiftung) und Felix Hoffmann (C/O Berlin) noch einmal durch die Berliner Ausstellung. Weitere Informationen unter www.co-berlin.org.

Die Geschichte, Einflüsse und Auswirkungen dieser legendären Berliner Fotografie-Institution und ihrer Akteure werden erstmals und zugleich in einer städteübergreifenden Kooperation präsentiert (Berlin, Hannover, Essen). Diese drei Stationen skizzieren die Situation eines Mediums im Aufbruch, welches – ermutigt durch das Selbstbewusstsein der amerikanischen Fotografie – auf die eigenständige, künstlerische Autorenschaft setzt.

 Drei Stationen und eine Publikation

Plakat der Werkstatt für Photographie: "Diane Arbus", 27.04. bis 22.05.1981

Plakat der Werkstatt für Photographie: “Diane Arbus”,
27.04.1981 bis 22.05.1981

C/O Berlin arbeitet in seinem Beitrag Kreuzberg – Amerika die Geschichte der Werkstatt für Photographie auf. Hier entstand im Rahmen der Erwachsenen-Bildung ein einzigartiges Forum für zeitgenössische Fotografie. Einen besonderen Schwerpunkt bildeten die Ausstellungen amerikanischer Fotografen, die in der Werkstatt oft erstmalig gezeigt wurden und eine enorme Auswirkung auf die Entwicklung einer künstlerischen Fotografie in Deutschland hatten. Die Ausstellung vereint Arbeiten von Dozenten, Hörern und Gästen zu einem transatlantischen Dialog. Robert Adams, Diane Arbus, Lewis Baltz, Larry Clark, William Eggleston, Larry Fink, John Gossage, Stephen Shore, Gosbert Adler, Friedhelm Denkeler, Wolfgang Eilmes, Thomas Florschuetz, Ulrich Görlich, Ursula Kelm, Wilmar Koenig, Thomas Leuner, Christa Mayer, Eva Maria Ocherbauer, Hildegard Ochse, Gundula Schulze Eldowy, Michael Schmidt, Hermann Stamm, Klaus-Peter Voutta, Manfred Willmann und Ulrich Wüst. [Quelle: Presseerklärung]

Das Museum Folkwang Essen (noch bis zum 19. Februar 2017) entdeckt unter dem Titel Das rebellische Bild in der eigenen Folkwang-Geschichte die Widerspiegelung des allgemeinen Aufbruchs jener Jahre. Nach dem Tod des einflussreichen Fotolehrers Otto Steinert (1978) herrschte eine offene und produktive Situation der Verunsicherung. Nach und nach wurde Essen zu einem Brückenkopf für den Austausch mit Berlin und zum Kristallisationspunkt für die junge zeitgenössische Fotografie in der Bundesrepublik. Neben Michael Schmidt, der in seiner Zeit als Lehrbeauftragter an der GHS Essen provokante Akzente in der Lehre setzte, gehörte Ute Eskildsen als Foto-Kuratorin am Museum Folkwang seit 1979 zu den wichtigen Akteuren. Die junge Essener Fotografie setzte sich mit Urbanität und Jugendkultur auseinander, sie entdeckte die Farbe als künstlerische Ausdrucksweise, stellte Fragen nach neuen Formen des Dokumentarischen, nach authentischen Bildern und Haltungen und stellte der objektivierenden Distanz der Düsseldorfer Schule einen forschenden, subjektiven Blick entgegen. [Quelle: Presseerklärung]

Katalog zur Ausstellung "Werkstatt für Photographie 1976-1986”, C/O Berlin, Museum Folkwang Essen, Sprengel Museum Hannover,   Buchhandlung Walter König, Köln 2016

Katalog zur Ausstellung “Werkstatt für Photographie 1976-1986”, C/O Berlin, Museum Folkwang Essen,
Sprengel Museum Hannover

Das Sprengel Museum Hannover (noch bis 19. März 2017) ergänzt beide Ausstellungen um eine Perspektive, in deren Mittelpunkt Publikationen, Institutionen und Ausstellungen stehen, die den transatlantischen Austausch seit Mitte der 1960er Jahre beförderten. Anhand exemplarischer Beispiele erzählt Und plötzlich diese Weite von der Entwicklung jener Infrastrukturen, die die Emanzipation der Fotografie im Kontext des Dokumentarischen vorbereiteten und begleiteten. Das Fotomagazin Camera nimmt dabei eine ebenso zentrale Rolle ein wie die ersten deutschen Fotogaleriegründungen Galerie Wilde in Köln, Lichttropfen in Aachen, Galerie Nagel in Berlin und die Initiative Spectrum Photogalerie in Hannover. Auch der documenta 6, 1977, und den in den ausgehenden 1970er Jahren entstehenden Fotozeitschriften, insbesondere der Camera Austria, sind gesonderte Kapitel gewidmet. [Quelle: Presseerklärung]

Zum gemeinsamen Ausstellungsprojekt erscheint in der Verlagsbuchhandlung Walther König die gemeinsame Publikation “Werkstatt für Photographie 1976–1986″ Herausgegeben von: Florian Ebner, Felix Hoffmann, Inka Schube, Thomas Weski. Mit Texten von: Florian Ebner, Ute Eskildsen, Carolin Förster, Christine Frisinghelli, Virginia Heckert, Felix Hoffmann, Klaus Honnef, Jörg Ludwig, Inka Schube und Thomas Weski. Koenig Books, 2016, 392 Seiten, 24 x 27 cm, zahlreiche Abbildungen (S/W und Farbe). Euro 39,80 / ISBN 978-3-96098-042-1 (deutsche Ausgabe), ISBN 978-3-96098-043-8 (englische Ausgabe)

Die Harmonie eines Augenblicks

Die “Rheinische Post” 1982 zu meinem Portfolio “Photographien”

Anlässlich meiner Einzelausstellung in der Galerie Kicken in Köln vom 19. März bis 24. April 1982 schrieb Paul Behrens am 1. April 1982 die folgende Kritik zu meinen Arbeiten “Photographien” in der “Rheinischen Post”:

Das Photo zeigt einige Metallklammern, Bestandteile eines Akkumulators möglicherweise. Symmetrisch angeordnet, wirken sie fast schon wie Kunstobjekte. Der stilisierende Zugriff auf die Arbeitswelt ist typisch für Friedhelm Denkeler; er schafft Distanz und lässt so das bloß Private als Persönliches interessant werden. Dem 35jährigen Berliner Ingenieur bedeutet die Photographie ein Spiegelbild der Reflexion mithin.

Die Kölner Galerie Rudolf Kicken unternimmt mit dieser Ausstellung ein Novum. Sechs Dozenten deutscher Hochschulen haben Gelegenheit, einen jungen Photographen ihrer Wahl vorzustellen. Den Anfang macht Ulrich Görlich, Leiter der Werkstatt für Photographie an der Volkshochschule Kreuzberg, dessen Kurse Friedhelm Denkeler seit 1978 besucht.

"Die Harmonie des Augenblicks", Ausstellung in der Galerie Kicken, Köln, 19. März bis 24. April 1982 (Einzeklausstellung Friedhelm Denkeler), Foto © Friedhelm Denkeler 1982

“Die Harmonie des Augenblicks”, Ausstellung in der Galerie Kicken, Köln, 19. März bis 24. April 1982 (Einzeklausstellung Friedhelm Denkeler), Foto © Friedhelm Denkeler 1982

Beim Betrachten der – ausnahmslos schwarzweißen – Photographien fällt zunächst auf, dass ihnen alles Glatte, Gefällige, Geschönte fehlt. Das Porträt eines jungen Mannes zeigt diesen vor kleinbürgerlichen Hintergrund; man erkennt Kakteen in Plastik-Übertöpfen, Gardinenfransen, eine grell ornamentierte Tapete. Der Gesichtsausdruck des so Portraitierten ist skeptisch, verhärtet, fast mürrisch. Auf einem Bild sieht man den Fotografierten, an einem Baum gelehnt – unrasiert, mit melancholischem Blick. Selbst die Natur, wie sie uns in der Freizeit begegnet und wie sie Denkeler in Photos von Wochenendausflügen festhält, scheint die Verhärtung nicht zu lösen.

Und doch erkennt Denkeler in der Natur am ehesten Gleichmaß und Harmonie. Er deutet darauf, indem er einfach einen Zweig vors Objektiv hält. Oder er fängt die Harmonie eines Augenblicks ein: durch Spiegelung einer halbkreisförmigen Baumgruppe im Wasser entsteht ein dunkles Oval, auf dessen unterem Rand eine Gruppe weißer Gänse die Figur im Kleinen wiederholt.

Solches bedürfnislose In-sich-Ruhen versagt sich Denkeler in der Darstellung menschlicher, zumal erotischer Beziehungen. Dort wird Nähe stets von Distanz durchbrochen. Eine Hand greift nach einem Photo, verdeckt es zum Teil und gibt zugleich, zwischen Daumen und Zeigefinger, den Blick frei auf eine halbentblößte Frau – hinter Maschendraht.

Das schönste Photo zeigt den Unterarm einer Frau, der sich, auf einem Gaststättentisch ruhend, an den Arm eines Mannes anschmiegt; formal verdoppelt wird diese Konstellation, durch einen weiteren Tisch, der rechts, nahezu spiegelbildlich, an den ersten anstößt. Die zärtliche Geste erscheint so als bloß vorrübergehend, kann gleichsam jederzeit zurückgenommen werden – und das Bild wird eines Verlangens nach Nähe, das sich zugleich des Unüberbrückbaren bewusst ist.

Eine Auswahl der Werke aus meinem Portfolio ist zurzeit bei C/O Berlin in der Ausstellung “Kreuzberg – Amerika: Werkstatt für Photographie 1976–1986″ zu sehen. Die Ausstellung läuft noch bis zum 12. Februar 2017 (weitere Informationen bei C/O Berlin).

Muss die Geschichte der Fotografie umgeschrieben werden?

Pressestimmen zu den drei Ausstellungen zur Geschichte der
“Werkstatt für Photographie” (1976-1986) in Berlin, Essen und Hannover

Weser Kurier: Fotografie als Kunstform – wer heute große Ausstellungen von Cindy Sherman, Candida Höfer, Andreas Gursky, Thomas Struth oder Helmut Newton besucht, mag kaum glauben, dass es vor 40 Jahren für solche Arbeiten kein museales Forum gab. Selbst die heute als Klassiker der Fotokunst empfundenen Persönlichkeiten wie Man Ray, August Sander, Karl Blossfeldt oder Walker Evans fristeten ein Schattendasein. Eine Institution, die ab 1976 eine Neubewertung des Mediums Fotografie maßgeblich vorantrieb, steht jetzt im Zentrum einer gemeinsamen Ausstellung des Sprengel-Museums Hannover, des Museums Folkwang Essen und des C/O Berlin im dortigen Amerika-Haus: die Werkstatt für Photographie in Berlin.

Märkische Oderzeitung: Mitten im Kalten Krieg schafften es die Kreuzberger außerdem, Fotos aus den USA in die West-Berliner Enklave zu holen. Amerikanische Fotografen stellten in der Werkstatt am Checkpoint Charlie nicht nur ihre Bilder aus, sondern gaben auch Workshops. Gefördert wurden die künstlerischen Kontakte durch das amerikanische Kulturzentrum im Amerika-Haus am Zoo, heute Sitz des C/O Berlin. Die Ausstellung “Kreuzberg – Amerika” zeigt einerseits Serien bekannter amerikanischer Fotografen, die damals in Kreuzberg ausgestellt wurden, und andererseits Werke von Angehörigen der Werkstatt – Fotografen, Dozenten und Gäste.

Plakat der Werkstatt für Photographie: "Paul Caponigro", 1980, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Plakat der Werkstatt für Photographie: “Paul Caponigro”, 1980, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Zitty: Als Volkshochschule Bild-Avantgarde war: Das C/O Berlin erinnert an die Werkstatt für Photographie – zusammen mit Sprengel Museum Hannover und Folkwang Museum Essen, die das Aufkommen regionaler Autorenfotografie beleuchten. … Die Zeit war reif. In den zehn Jahren ihres Bestehens sollte sich die Anerkennung der Fotografie als künstlerisches Ausdrucks-medium in Deutschland vollziehen. Die Werkstatt ist maßgeblich daran beteiligt. …

Die Tatsache, dass die seriöse Fotografie an einer Volkshochschule (VHS) begann, sagt einiges. Noch bis in die 70er-Jahre existiert so gut wie keine Institution, die sich mit der Fotografie als künstlerischem Medium befasst. Bis 1979, als Janos Frecot an der Berlinischen Galerie eine Fotografische Sammlung aufzubauen beginnt, gibt es in Berlin keinen Anlaufpunkt für die Fotoszene – bis auf die VHS in Kreuzberg

RuhrNachrichten: Mit Geschichte und Wirkung der einflussreichen Berliner “Werkstatt für Photographie” befassen sich von diesem Wochenende an drei Foto-Ausstellungen in Essen, Hannover und Berlin. Anlass ist die Gründung dieser Institution der Volkshochschule Berlin-Kreuzberg vor 40 Jahren. Sie bestand zehn Jahre lang. Laut Sprengel Museum wurde sie “zu einer der folgenreichsten Schaltstellen des Austausches zwischen deutscher und US-amerikanischer Fotografie”. Das Museum Folkwang nennt die Werkstatt “eine künstlerische ‘Luftbrücke’ in Richtung USA, ein demokratisches Experimentierfeld jenseits traditioneller Ausbildung und politisch-institutioneller Vorgaben”.

Art Kunstmagazin: Ein vergessenes Kapitel der deutschen Fotografie-Geschichte kommt ans Licht: In der Werkstatt für Photographie an der VHS Kreuzberg wurde ab 1976 eine direkte, subjektive und schonungslose Bildsprache entwickelt. … Es ging um die Haltung des Fotografen, nicht um perfekte Technik. … Die Akteure der Werkstatt waren keine Lehrer, aber sie unterrichteten. … Man spürt, dass hier junge Fotografen mutig genug waren, ihren Weltausschnitt selbst zu wählen. Es war eine Rebellion der Subjektivität, gegen die Idee der objektiven Darstellung von Wirklichkeit. Diese Selbstermächtigung der Fotografie fand an einem denkbar unscheinbaren Ort statt: An der Volkshochschule in Berlin-Kreuzberg.

Frankfurter Allgemeine Zeitung: Vor dreißig Jahren aber, als die Fotokunst gerade erst dabei war, sich in Museen und auf dem Kunstmarkt zu etablieren, war die Vormachtstellung der Düsseldorfer Schule alles andere als ausgemacht. Deutsche Fotografie trat mit rebellischer Härte auf, betonte den subjektiven Blick, warf sich hitzig ins Geschehen, wählte den Ausschnitt statt des Überblicks und provozierte mit exzentrischer Körperlichkeit. Drastisch gesagt: Sie hatte “etwas von der fiebrigen, halluzinatorischen Vehemenz eines Schwerkranken”, wie die “Washington Times” 1984 anlässlich der Ausstellung “Fotografie aus Berlin” bei Castelli Graphics in New York befand.

Der Tagesspiegel: Die “Subjektive Fotografie” der Nachkriegszeit, bei der die Form stets wichtiger gewesen war als der Inhalt, ließen Schmidt und seine Schüler hinter sich, auch mit dem stärker akademischen Ansatz der Düsseldorfer Fotoschule wussten sie nur wenig anzufangen. Sie wollten das echte Leben in all seiner Pracht und Hässlichkeit zeigen. Vorbilder waren die radikal subjektiven Meister der amerikanischen Straßen- und Porträtfotografie. Einige Idole wie William Egglestone, Stephen Shore und Robert Frank kamen für Ausstellungen und Seminare nach Berlin.

Berliner Morgenpost: Die Fotografen der Werkstatt standen in engem Austausch mit amerikanischen Kollegen. Beide Seiten inspirierten sich gegenseitig und beeinflussten mit ihrem dokumentarischen Ansatz die Art und Weise, wie wir die Welt wahrnehmen. … Später experimentieren Schmidt und die junge Fotografenszene mit neuen Formen des Dokumentarischen, die die subjektive Sicht des Autors betonen. “Das ist eines der Paradoxe der Werkstatt für Photographie. Beim dokumentarischen Ansatz nimmt sich der Fotograf zurück und bildet die Realität ab. Wenn man die Fotos in Serie betrachtet, wird jedoch eine künstlerische Handschrift sichtbar”, sagt Weski. “Der Begriff des Autorenfotografen entstand im Umfeld der Werkstatt und beschreibt die Herangehensweise der Beteiligten gut.”

Perlentaucher.de: Das hier ist “arme Kunst”. Und viele dieser Künstler sind wahrscheinlich bis heute arm. Nichts würde hier deplatzierter wirken als die überwältigenden Großformate der Becher-Schüler, die neben Nauman und Richter und in den Foyers der UBS hängen wollen, nicht in Fotoausstellungen. Dass es diese Spannung bis heute gibt, zeigt, dass Fotografie nach wie vor keine reine Kunst ist. Ich frage mich, ob nicht zumindest für Schmidt, aber vielleicht auch für einige der anderen Fotografen, das Buch die eigentliche Form ist, seine Fotografie zu denken. Was mir an dem grandiosen Katalog – der eine ganze Periode der deutschen Fotogeschichte revidiert und eine ganze Generation endlich ins Licht stellt – darum fehlt, ist eine Bibliografie ihrer Bücher.

tip Berlin: Dieses Stück Fotografie-Geschichte konnte sich so nur im West-Berlin des kalten Krieges zutragen. Nur im Schatten des historischen Meteoriteneinschlags Mauerfall in Vergessenheit geraten. Um nun, 30 Jahre nach dem Ende, mit gleich drei zusammenhängenden Ausstellungen wiederentdeckt zu werden. Und es ist nicht übertrieben zu sagen, dass die deutsche Fotografie-Geschichte jetzt nicht nur ergänzt, sondern eigentlich umgeschrieben werden muss. … Michael Schmidt, 2014 verstorben, gehört zu den ganz großen unter den deutschen Fotografen. Doch Leute wie Gosbert Adler, Ulrich Görlich, Uschi Blume, Hildegard Ochse, Friedhelm Denkeler und Ursula Kelm sind zu entdecken.

PHOTONEWS: Aber worin besteht die besondere Leistung der “Werkstatt”? Thomas Weski unterstreicht, dass sie “ein Ort der Selbstermächtigung” gewesen sei, Inka Schube spricht vom vorbildhaften “Emanzipationsprozess”. Hier fotografierte man, analysierte seine Arbeit in der Gruppe, setzte sich mit anderen Positionen auseinander, kuratierte Ausstellungen mit den Bildern von Schülern, Dozenten und amerikanischen Gästen, veröffentlichte Kataloge und knüpfte gemeinsam neue Kontakte, so auch zu Fotoszenen in Ost-Berlin.

TAZ: Mit ihrer Mischung aus hochkarätigen Ausstellungen und Workshops, Vorträgen und der künstlerisch orientierten Ausbildung gelang es, Volksbildung auf höchstem Niveau zu betreiben. … Die Liste der Ausstellungen liest sich heute wie ein Who’s who der Fotografie-Geschichte. Selbst so berühmte Fotografen wie Robert Frank, Diane Arbus, Stephen Shore oder Ralph Gibson fanden den Weg in die Kreuzberger Schule, bzw. wurden dort erstmals gezeigt.

DIE ZEIT: Auch William Eggleston, Larry Fink, Lee Friedlander und Robert Frank, all die angesagten Vertreter der Autorenfotografie, kamen in den Jahren bis zum Ende der Werkstatt 1986 nach Kreuzberg, um Vorträge zu halten und zu lehren. Die Fotos dieser Vorbilder aus den USA sind jetzt wieder in Berlin zu sehen, die Entdeckung der drei parallelen Museumsausstellungen in Hannover, Berlin und Essen sind allerdings die Mitstreiter Michael Schmidts, die heute weitaus weniger bekannt sind. … Diese künstlerisch-dokumentarische Fotografie ist es, die heutige Kollegen neu fasziniert.

Plakat der Werkstatt für Photographie: "Larry Clark", 1981, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Plakat der Werkstatt für Photographie: “Larry Clark”, 1981, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Hannoversche Allgemeine (Interview mit Thomas Weski): Damals wurden die großen Traditionslinien der Avantgarde wieder freigelegt, die es vor der Nazizeit gab, und die Wahrnehmung von Fotografie als Kunstform wurde durch weitere Faktoren begünstigt – die ersten Fotogalerien eröffneten, es gab internationale Zeitschriften wie “Aperture”, “Creative Camera” oder “Camera”, die freies, ungebundenes Fotografieren thematisierten. Und damals begannen auch bildende Künstler, sich für Fotografie als Ausdrucksform zu interessieren, wie 1977 die Documenta 6 in Kassel zeigte. …

Und durchweg ging es außer um Rückbesinnung auch um Selbstvergewisserung der Fotografie als Kunstform, um eine Selbstermächtigung ihrer Akteure. Die haben dabei überdies vom Beispiel von US-Fotografen profitiert. Denn deren Alltag war damals viel selbstbestimmter und souveräner als etwa der deutscher Fotografen, die in der Regel im Auftrag arbeiteten. Autorschaft wurde, in Anlehnung an den Autorenfilm, für diese Fotografen zum zentralen Begriff.

Berliner Zeitung: Auch war die Fotografie als eigene Kunstform noch nicht vollständig etabliert. Das brachte Freiheit. „Der Mensch als Persönlichkeit ist für mich das Wesentliche, durch ihn erst kann Fotografie entstehen und niemals umgekehrt“, ist in einem Schreibmaschinenmanuskript zu lesen, einem Text, den Schmidt über die Werkstatt geschrieben hat. “Deshalb ist Selbsterkenntnis ein Schwerpunkt unserer Arbeit, ohne dabei in gruppentherapeutisches ‘Psychologisieren’ abzugleiten.”

Ruhr.speak – Blog für Fotografie:  Da lebt man im Ruhrgebiet und beschäftigt sich mit Fotografie, erntet Missachtung von denen, die mit anderer Kunst (und vor allem ohne Kunst) unterwegs sind, freut sich über kleine Erfolge und plötzlich fühlt man sich im Mittelpunkt einer Bewegung, die weit über die Region, über Deutschland und Europa hinausgeht. Gut, in einem Elfenbeinturm, aber an der Spitze einer Bewegung (heute würde man wohl eher Netzwerk sagen) in der es um nichts anderes ging, als um die Wahrnehmung der Welt, mit eigenen Augen und eigenem Verstand sowie um deren eigenständige Darstellung. So mein Gefühl zur aktuellen Ausstellung im Folkwang – einem Muss für jeden Fotografie-Interessierten im Ruhrgebiet und anderswo.

Radioeins: Die Werkstatt für Photographie erlangt mit engagierter Vermittlungsarbeit durch Ausstellungen, Workshops und Kurse internationales Niveau und etabliert sich zu einem wichtigen Ort des transatlantischen fotografischen Dialogs zwischen Kreuzberg, Deutschland und Amerika. Eine einzigartige Pionierleistung!

Dieser Post ist eine aktualisiert Ausgabe des titelgleichen Post vom 15.12.2016.
www.co-berlin.orgwww.sprengel-museum.de, www.museum-folkwang.de

Kuratorenführung “Werkstatt für Photographie 1976-1986″

Am Freitag, den 13. Januar 2017 um 16 Uhr, findet eine Kuratorenführung durch die aktuelle Ausstellung “Werkstatt für Photographie 1976–1986: Kreuzberg–Amerika” bei C/O Berlin mit Thomas Weski und Felix Hoffmann, zusammen mit Christa Meyer, Eva Maria Ocherbauer und Friedhelm Denkeler, statt. (weitere Informationen bei www.co-berlin.org).

"Werkstatt für Photographie 1976-1986" bei C/O Berlin (Anzeige)

“Werkstatt für Photographie 1976-1986″ bei C/O Berlin (Plakat)

C/O feiert die “Werkstatt für Photographie”

“Journal” empfiehlt den heutigen Artikel “Du musst näher ran” im Kulturteil des “TAGESSPIEGEL”

"DER TAGESSPIEGEL" vom 6. Janauar 2017 zur Ausstellung “Kreuzberg – Amerika” bei C/O Berlin, Foto © Friedhelm Denkeler 1980

“DER TAGESSPIEGEL” vom 6. Janauar 2017 zur Ausstellung “Kreuzberg – Amerika” bei C/O Berlin,
Foto © Friedhelm Denkeler 1980

Diesen Artikel finden Sie Online hier.
Das Bild “Trost” stammt aus meinem Portfolio “Photographien” aus dem Jahr 1982

Muss die Fotografiegeschichte umgeschrieben werden?

Kleine Presseschau zu den drei Ausstellungen zur Geschichte der
“Werkstatt für Photographie” (1976-1986) in Berlin, Essen und Hannover

RuhrNachrichten: Mit Geschichte und Wirkung der einflussreichen Berliner “Werkstatt für Photographie” befassen sich von diesem Wochenende an drei Foto-Ausstellungen in Essen, Hannover und Berlin. Anlass ist die Gründung dieser Institution der Volkshochschule Berlin-Kreuzberg vor 40 Jahren. Sie bestand zehn Jahre lang. Laut Sprengel Museum wurde sie “zu einer der folgenreichsten Schaltstellen des Austausches zwischen deutscher und US-amerikanischer Fotografie”. Das Museum Folkwang nennt die Werkstatt “eine künstlerische ‘Luftbrücke’ in Richtung USA, ein demokratisches Experimentierfeld jenseits traditioneller Ausbildung und politisch-institutioneller Vorgaben”.

Plakat der Werkstatt für Photographie: "Larry Clark", 1981, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Plakat der Werkstatt für Photographie: “Larry Clark”, 1981, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Art Kunstmagazin: Ein vergessenes Kapitel der deutschen Fotografie-Geschichte kommt ans Licht: In der Werkstatt für Photographie an der VHS Kreuzberg wurde ab 1976 eine direkte, subjektive und schonungslose Bildsprache entwickelt. … Es ging um die Haltung des Fotografen, nicht um perfekte Technik. … Die Akteure der Werkstatt waren keine Lehrer, aber sie unterrichteten. …

Man spürt, dass hier junge Fotografen mutig genug waren, ihren Weltausschnitt selbst zu wählen. Es war eine Rebellion der Subjektivität, gegen die Idee der objektiven Darstellung von Wirklichkeit. Diese Selbstermächtigung der Fotografie fand an einem denkbar unscheinbaren Ort statt: An der Volkshochschule in Berlin-Kreuzberg.

Frankfurter Allgemeine Zeitung: Vor dreißig Jahren aber, als die Fotokunst gerade erst dabei war, sich in Museen und auf dem Kunstmarkt zu etablieren, war die Vormachtstellung der Düsseldorfer Schule alles andere als ausgemacht.

Deutsche Fotografie trat mit rebellischer Härte auf, betonte den subjektiven Blick, warf sich hitzig ins Geschehen, wählte den Ausschnitt statt des Überblicks und provozierte mit exzentrischer Körperlichkeit. Drastisch gesagt: Sie hatte “etwas von der fiebrigen, halluzinatorischen Vehemens eines Schwerkranken”, wie die “Washington Times” 1984 anlässlich der Ausstellung “Fotografie aus Berlin” bei Castelli Graphics in New York befand.

Berliner Morgenpost: Die Fotografen der Werkstatt standen in engem Austausch mit amerikanischen Kollegen. Beide Seiten inspirierten sich gegenseitig und beeinflussten mit ihrem dokumentarischen Ansatz die Art und Weise, wie wir die Welt wahrnehmen. … Später experimentieren Schmidt und die junge Fotografenszene mit neuen Formen des Dokumentarischen, die die subjektive Sicht des Autors betonen. “Das ist eines der Paradoxe der Werkstatt für Photographie. Beim dokumentarischen Ansatz nimmt sich der Fotograf zurück und bildet die Realität ab. Wenn man die Fotos in Serie betrachtet, wird jedoch eine künstlerische Handschrift sichtbar”, sagt Weski. “Der Begriff des Autorenfotografen entstand im Umfeld der Werkstatt und beschreibt die Herangehensweise der Beteiligten gut.”

Plakat der Werkstatt für Photographie: "Paul Caponigro", 1980, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Plakat der Werkstatt für Photographie: “Paul Caponigro”, 1980, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

tip Berlin: Dieses Stück Fotografie-Geschichte konnte sich so nur im West-Berlin des kalten Krieges zutragen. Nur im Schatten des historischen Meteoriteneinschlags Mauerfall in Vergessenheit geraten. Um nun, 30 Jahre nach dem Ende, mit gleich drei zusammenhängenden Ausstellungen wiederentdeckt zu werden.

Und es ist nicht übertrieben zu sagen, dass die deutsche Fotografie-Geschichte jetzt nicht nur ergänzt, sondern eigentlich umgeschrieben werden muss. … Michael Schmidt, 2014 verstorben, gehört zu den ganz großen unter den deutschen Fotografen. Doch Leute wie Gosbert Adler, Ulrich Görlich, Uschi Blume, Hildegard Ochse, Friedhelm Denkeler und Ursula Kelm sind zu entdecken.

PHOTONEWS: Aber worin besteht die besondere Leistung der “Werkstatt”? Thomas Weski unterstreicht, dass sie “ein Ort der Selbstermächtigung” gewesen sei, Inka Schube spricht vom vorbildhaften “Emanzipationsprozess”.

Hier fotografierte man, analysierte seine Arbeit in der Gruppe, setzte sich mit anderen Positionen auseinander, kuratierte Ausstellungen mit den Bildern von Schülern, Dozenten und amerikanischen Gästen, veröffentlichte Kataloge und knüpfte gemeinsam neue Kontakte, so auch zu Fotoszenen in Ost-Berlin.

Taz: Mit ihrer Mischung aus hochkarätigen Ausstellungen und Workshops, Vorträgen und der künstlerisch orientierten Ausbildung gelang es, Volksbildung auf höchstem Niveau zu betreiben. … Die Liste der Ausstellungen liest sich heute wie ein Who’s who der Fotografie-Geschichte. Selbst so berühmte Fotografen wie Robert Frank, Diane Arbus, Stephen Shore oder Ralph Gibson fanden den Weg in die Kreuzberger Schule, bzw. wurden dort erstmals gezeigt.

DIE ZEIT: Auch William Eggleston, Larry Fink, Lee Friedlander und Robert Frank, all die angesagten Vertreter der Autorenfotografie, kamen in den Jahren bis zum Ende der Werkstatt 1986 nach Kreuzberg, um Vorträge zu halten und zu lehren. Die Fotos dieser Vorbilder aus den USA sind jetzt wieder in Berlin zu sehen, die Entdeckung der drei parallelen Museumsausstellungen in Hannover, Berlin und Essen sind allerdings die Mitstreiter Michael Schmidts, die heute weitaus weniger bekannt sind. … Diese künstlerisch-dokumentarische Fotografie ist es, die heutige Kollegen neu fasziniert.

Radioeins: Die Werkstatt für Photographie erlangt mit engagierter Vermittlungsarbeit durch Ausstellungen, Workshops und Kurse internationales Niveau und etabliert sich zu einem wichtigen Ort des transatlantischen fotografischen Dialogs zwischen Kreuzberg, Deutschland und Amerika. Eine einzigartige Pionierleistung!

www.co-berlin.org

Die lesenden Windhunde von Lübben

Mitten im Biosphärenreservat Spreewald kann man in Lübben vor dem Reha-Zentrum in der Postbautenstraße die Kunst der Münchnerin Nina Hoffmann bewundern. Ihre zwanzig lebensgroßen, gelben Windhunde lesen in dicken Folianten. Im Kunstverein München war das Werk 1990 unter dem Titel “Ideale Kreaturen in idealer Landschaft” ausgestellt, allerdings im Innenraum.

Hoffmanns Arbeiten – Malerei, Skulptur und Performance – drehen sich immer wieder um die Themen Natur- und Kulturzerstörung. Die zwanzigfache Wiederholung soll auf die von Menschen “erzeugte” Natur – hier die Züchtung von Windhunden – hinweisen. Die unnatürliche Farbe (“Cadmium-Gelb”) erinnert an eine Giftwolke.

"Die lesenden Windhunde", Nina Hoffmann, Arbeit: "Ideale Kreaturen in idealer Landschaft", Foto © Friedhelm Denkeler 2016

“Die lesenden Windhunde”, Nina Hoffmann, Arbeit: “Ideale Kreaturen in idealer Landschaft”,
Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Bei den „geklonten“ Hunden denkt man unwillkürlich an eine industrielle Serienfertigung; in Wirklichkeit ist aber jeder in Handarbeit hergestellt. Eine spezielle Kaschiertechnik aus kleinen Papierstückchen wurde bei jedem einzelnen Tier angewandt. Für Nina Hoffmann ist diese Herstellung eintönig und gleichzeitig meditativ. Einen Polyesterguss würde sie nicht anfertigen lassen.

Das große Thema in Hoffmanns Arbeiten ist die Natur; sie gehört aber nicht zu den “Ökokünstlern”. Ihre Vorbilder sind eher Amseln Kiefer (mit seinen Bleibüchern) oder Bruce Naumann (bei dem auch das Hundemotiv auftaucht). Die Tiere lesen in Büchern, die leer sind und der Mensch speichert sein Wissen heute auf externen Trägern. “In letzter Konsequenz – die Kontrolle des Menschen über sich selbst erweist sich als Illusion – hat er sein Wissen delegiert, konserviert und – verloren.” [Nina Hoffmann]

"Ein lesender Windhund", Arbeit von Nina Hoffmann, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

“Ein lesender Windhund”, Arbeit von Nina Hoffmann, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

“Der menschliche Geist kann sich viel leichter an die Vorstellung gewöhnen ein Informationssystem herzustellen, als darin einen HUND herzustellen. Noch leichter wird das ganze Unternehmen, wenn man endlich die Überzeugung gewonnen hat, dass es in Wahrheit einen HUND in der herkömmlichen Bedeutung des Wortes gar nicht gibt. Für das kommende Zeitalter wird es sehr viel zutreffender sein, einen HUND als ein spezifisches Informationsmuster zu beschreiben, das sich über einen bestimmten Zeitraum entfaltet. Das Leben als Informationsfluss ist die endgültige und restlose Entheiligung der Natur!” [aus: Jeremy Rifkin "Genesis zwei. Biotechnik – Schöpfung nach Maß", zitiert in Katalog "Nina Hoffmann, Kunstverein München].

Werkstatt für Photographie 1976 – 1986

Einladung zur Ausstellungs-Eröffnung “Kreuzberg – Amerika”,
9. Dezember 2016, 19 Uhr, C/O Berlin

Plakat der Werkstatt für Photographie: "Stephen Shore", 1980, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Plakat der Werkstatt für Photographie:
“Stephen Shore”, 1980, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Im Jahr 2016 jährt sich zum 40. Mal die Gründung der “Werkstatt für Photographie” in Berlin-Kreuzberg (1976) und gleichzeitig deren Ende vor 30 Jahren (1986).

Aus diesem Anlass präsentieren das C/O Berlin, das Museum Folkwang Essen und das Sprengel Museum Hannover im Dezember 2016 ihr gemeinsames Ausstellungsprojekt “Werkstatt für Photographie 1976 – 1986″.

C/O Berlin arbeitet in der Ausstellung “Kreuzberg – Amerika” die Geschichte der Werkstatt für Photographie auf. In der von Thomas Weski und Felix Hoffmann kuratierten Ausstellung werden ca. 250 Exponate gezeigt.

Zu sehen sind die Arbeiten von international renommierten Fotografen, die in der Werkstatt ausgestellt haben: Robert Adams, Diane Arbus, Lewis Baltz, Larry Clark, William Eggleston, Larry Fink, John Gossage und Stephen Shore.

Diese Auswahl wird in einen Dialog gesetzt mit Bildern von Fotografen, Dozenten und Gästen der Werkstatt wie Gosbert Adler, Friedhelm Denkeler, Wolfgang Eilmes, Thomas Florschuetz, Ulrich Görlich, Ursula Kelm, Wilmar Koenig, Thomas Leuner, Christa Mayer, Eva Maria Ocherbauer, Hildegard Ochse, Gundula Schulze Eldowy, Michael Schmidt, Hermann Stamm, Klaus-Peter Voutta, Manfred Willmann und Ulrich Wüst.

In meinem Beitrag wird eine Auswahl aus dem Portfolio “Photographien” mit Vintage-Prints aus der damaligen Werkstatt-Zeit zu sehen sein. Die Ausstellung wird am 9. Dezember 2016 bei C/O Berlin im Amerika-Haus in der Hardenbergstraße 22 ab 19 Uhr eröffnet. Die Einladungskarte finden Sie hier. Ausstellungsdauer 10. Dezember 2016 bis 12. Februar 2017. www.co-berlin.org

Ewaipanoma

Wenn das Herz am rechten Fleck ist, spielt es keine Rolle, wo der Kopf ist

Das Loft war anscheinend nicht hoch genug, deshalb musste die kniende und kopflose Rihanna mit dem Hof der Kunstwerke (KW) in der Auguststraße vorlieb nehmen. Das sechs Meter hohe Werk “Ewaipanoma (Rihanna)” des Kolumbianers Sebastián Peláez zeigte im Rahmen der Berlin-Biennale 2016 eine quasi kopflose Rihanna. Im August war die 28jährige R&B-Sängerin zu einem Konzert in Berlin; besuchte bei dieser Gelegenheit quasi sich selbst und postete auf Instagram: “Went to visit my boobs the biggest they’ll ever be”.

"Ewaipanoma (Rihanna)", Juan Sebastián Peláez, Hof der Kunstwerke (KW), Berlin, Ausgustsraße, Foto © Friedhelm Denkeler

“Ewaipanoma (Rihanna)”, Juan Sebastián Peláez, Hof der Kunstwerke (KW), Berlin, Auguststraße, Foto © Friedhelm Denkeler 2016

Die Inspiration stammt laut Peláez von Zeichnungen der Kolonisatoren, wie Walter Raleigh, die diese im 16. Jahrhundert von ihren Reisen mitbrachten und die behaupteten, kopflose Eingeborene (Ewaipanoma) mit Gesichtern auf dem Oberkörper gesehen zu haben. Nachdem Raleigh wegen Spionage zum Tode verurteilt wurde, sollen seine letzten Worte gewesen sein: “Wenn das Herz am rechten Fleck ist, spielt es keine Rolle, wo der Kopf ist”.

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